美国作曲专业研究生学什么？
作为刚刚结束在雪城大学音乐学院（Syracuse University）跟随Eric Whitacre和Kaija Saariaho学习一年作曲的人，我想我或许可以回答一下这个问题。 首先从学习内容上来讲，我个人认为美国的作曲系相较于国内最大的不同在于对配器的思考以及对于声音的细节处理。由于美国院校较之于英国更加重视实用性，因此他们的作曲系会偏向于教你如何写出符合大众听感的音乐。
以雪城为例，他们除了会有传统的键盘，吉他，弦乐，管乐等分声部的乐团练习以外，会有专门的混响室（Reverberation chamber）和录音间来训练你对混响和录制的把握。而很多学校会把你分配到各自的乐器组进行练习，例如钢琴，吉他，弦乐，管乐等等。每个乐器都会有很多个分声部，以管乐为例，有长笛，短笛，双簧管，单簧管，大管，巴松。这样细致的分声部能保证你写出的声音具有可识别性，而不会让人听了之后觉得这个声音是“合成器做出来的”或是“这个声部我是真的没听见”。
其次，因为美国很多作曲系开设于艺术学院下，所以你会拥有非常多的机会接触其他学科领域的人和思想。以雪城为例，你的导师可能会是音乐系的老师，同时你的同学可能会有计算机系的，也有可能是心理学的，甚至还有可能是物理学的。不同学科之间的碰撞会让你的思想受到前所未有的洗礼，也会让你的创作不再局限。我本人的作品在融入声效设计的时候就会经常用到电影，电视节目和游戏的声音来作为灵感和素材。 而这些声音正是来自于我室友的游戏设计，我的导师的影视配乐以及我在混响室里的录音练声。
最后，也是我觉得最重要的一点，是美国作曲家对你的影响。以雪城为例，你的导师虽然会是某某教授的徒弟或者再传弟子，但是他的思维方式并不一定就是你所熟悉的。以我本人为例，我在跟Kaija学习期间，她会将一些新的思路和想法注入到你的创作中，而这些是我以前完全没有想到过的。而Eric则会更偏重于带你做传统作曲的学习和实践，让你能够驾驭更传统一点的音乐。而无论Kaija还是Eric，他们在业界都是享誉盛名的作曲家和教授，能和这样的导师及同事在一起学习，真的是受益无穷。